Cuando la Unión Soviética lanzó al espacio el Sputnik, aquel satélite artificial con forma de pelota de fútbol y de apariencia tan poco fiable, ya llevaba décadas una legión de artistas visionarios fascinados por el cosmos y soñando con llegar y transitar por el espacio.

Kandinsky, Malévich, Rodchenko, Tattlin y otros representantes de la vanguardia rusa, se inspiraron en esta búsqueda de otros mundos. Sus obras, ya en las primeras décadas del siglo XX, reflejaban el vuelo de los primeros aviones y los primeros experimentos espaciales.

Muchas de estas obras han sido reunidas en la exposición "El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930", que durante estos días se muestra en Santander, y que analiza la estrecha relación entre el arte y la ciencia rusa antes y después de la Revolución de octubre de 1917.

Son más de un centenar de pinturas, dibujos, pósters, fotografías de época y primeras ediciones de libros y álbumes, que manifiestan la percepción del espacio que tenían los artistas rusos de las primeras décadas del siglo XX. Además, la muestra incluye planos y modelos originales de las primeras maquetas de cohetes y aviones procedentes de veinte colecciones extranjeras.

La exposición se presenta como un homenaje a aquellos pioneros que hicieron posible llegar al espacio.

Laika, una perra callejera de Moscú, que tenía tres años de edad cuando fue capturada para el programa espacial soviético, fue el primer animal vivo en orbitar alrededor de la Tierra. Lo hizo a bordo de la nave soviética Sputnik 2, el 3 de noviembre de 1957, un mes después de que el satélite Sputnik 1 fuera puesto en órbita.

Laika murió entre cinco y siete horas después del lanzamiento, bastante antes de lo planeado. La causa de su muerte fue una combinación del estrés sufrido y el sobrecalentamiento ocasionado por un desperfecto del sistema de control térmico de la nave.

Pero fue la primera.

El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930

Hasta el 19 de septiembre.
Sala de Exposiciones de la Fundación Botín.

Calle Marcelino Sanz de Sautuola, 3. Santander.

Tel: 942 22 60 72.

Sales del metro, cruzas un semáforo y caminas sin prisa por una de las grises aceras del barrio de Salamanca. A la vuelta de la esquina, en la calle Castelló aparece el cuadrado edificio de la Fundación Juan March.

Las puertas se abren solas. A la derecha queda una sala casi en penumbra. De sus paredes cuelgan doce pequeños grabados y tres acuarelas. Nada más. Avanzas despacio mientras te acostumbras a la escasa luz y empiezas a distinguir vasos, botellas, jarras encima de una mesa.

La Fundación ha inaugurado, aprovechando unas obras de remodelación, este nuevo espacio dedicado a presentar selectas muestras de formato reducido, con estas obritas de Giorgio Morandi, todas ellas naturalezas muertas, fechadas entre 1927 y 1962.

Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964) era un extraordinario pintor, de carácter reservado y contemplativo, que logró mantener su arte y su vida al margen de la corriente general del siglo. Siempre respetó la artesanía y creyó en la disciplina y en la humildad del artista.

Parte de la iconografía del pintor boloñés son simples vasos y botellas que, colocados sobre una mesa, se convierten en los principales protagonistas de sus cuadros. Buscaba "la metafísica de los objetos más comunes" y creía en "las leyes eternas del dibujo geométrico, el fundamento de toda gran belleza y de toda profunda melancolía".

Son doce grabados y tres acuarelas. Cuesta llamarla "exposición". Es apenas una pequeña sala. Pero suficiente para contener un arte en calma, un silencio obstinado que se pierde sin remedio, sepultado bajo el fragor de las apoteósicas exposiciones de largas colas, inauguradas bajo los focos y consumidas con bulimia.

Giorgio Morandi: Tres acuarelas y doce aguafuertes

Hasta el 18 julio 2010

Fundación Juan March

Castelló, 77. Madrid
Cerrado sábados, domingos y festivos

Naturaleza muerta, 1930
Estampa. Calcografía. Aguafuerte

El Guggenheim no es más que un montón de chatarra. Parece que lo hubieran tirado de cualquier manera a orillas de la ría. Refulge los días de sol mientras que en los atardeceres, duda. No sabe qué tono de luz elegir. Y cambia.

Ahora, otro chatarrero ilustre se ha quedado a vivir, por lo menos hasta el 12 de septiembre, en su interior. Lo ha llenado todo de señales de tráfico oxidadas, tubos de escape retorcidos, parrillas de radiador aplastadas, ruedas de bicicleta deformadas, persianas metálicas rotas, cubos abollados...

Sí. Rauschenberg está en el Guggenheim. (Aunque, es cierto, resulta algo complicado de pronunciar). El artista norteamericano que redefinió el arte de nuestro tiempo. Creador de obras con múltiples materiales y medios, utilizando las técnicas más diversas e insospechadas. Para el artista de Texas pintar no sólo implicaba tomar el pincel, sino también serigrafiar, realizar collages, ensamblar, golpear, romper, volver a unir...

Rauschenberg ha sido considerado precursor de prácticamente todos los movimientos que surgieron en el arte estadounidense tras el expresionismo abstracto y, sin embargo, a lo largo de toda su vida, permaneció siempre independiente y ajeno a cualquier categorización.

Gluts, que se muestra en estos meses en el Guggenheim, explora la obra en metal de Rauschenberg inspirada en los desechos o excedentes (gluts). A mediados de la década de 1980 la economía de Texas, basada en la industria petrolera, agonizaba por la recesión económica. Se trasformó entonces el paisaje rural en uno extraño y desolado, casi apocalíptico, en el que se sucedían gasolineras cerradas, automóviles abandonados y barriles oxidados.

Y en su estudio transformó esta chatarra inservible en relieves murales y esculturas exentas. Cuando mostró esta serie en público por primera vez en 1986, Rauschenberg manifestó: "Es tiempo de excesos. De codicia desenfrenada. Tan sólo la expongo, tratando de que la gente abra los ojos . . . Simplemente quiero que se enfrenten a sus ruinas. Les estoy ofreciendo souvenirs sin nostalgia".

Robert Rauschenberg: Gluts

Hasta el 12 septiembre 2010

Museo Guggenheim Bilbao

Avenida Abandoibarra, 2. 48001 Bilbao. BIZKAIA

Society Color Wheel Glut , 1989

Ensamblaje de metal

Colección particular, Suiza © Estate of Robert Rauschenberg / autorizado por VAGA, NY

 Blind Rosso Porpora Glut , 1987

Ensamblaje de metal con cuerda

Roca es una de esas marcas españolas que tienen nombre, prestigio y una gran proyección, incluso más en el extranjero que aquí. Pero no es suficiente para traerla a este blog, hablando siempre de cosas relacionadas con los viajes, de excusas para salir y descubrir nuevos lugares, exposiciones, alojamientos, restaurantes y otros sitios que tengan que ver con la cultura, el arte o la simple curiosidad. Entonces, ¿baños?, ¿sanitarios?, ¿lavabos?, ¿bidés?, ¿retretes?.

La empresa catalana ha inaugurado en Barcelona un centro arquitectónico para sus actividades sociales, culturales y expositivas: Roca Barcelona Gallery. Este nuevo edificio quiere convertirse en un nuevo espacio abierto a la ciudad. Es magnífico y absolutamente moderno.

Actualmente presenta una exposición, "El Baño. Una retrospectiva histórica", que ofrece un interesante y curiosísimo recorrido por las piezas más relevantes que han marcado la evolución del Baño: desde los cuidados muebles-letrina que se integraban en el mobiliario doméstico hasta las primeras y decoradas piezas de porcelana. Así hasta llegar a algunos de los diseños más actuales.(Es curioso. Si tienes que ir al baño, puedes tener la extraña sensación de no haber salido de la exposición, o de que estás utilizando alguna de las piezas expuestas).

Entre todas las que se muestran destacan algunas pertenecientes a la monarquía austro-húngara. Y entre ellas, una delicada porcelana sobre la que acomodaba sus no menos delicadas posaderas la emperatriz Sissi. Nada menos.

Roca Barcelona Gallery

Dirección: Joan Güell, 211-213. 08028. Barcelona, España.

Teléfono:+34 933 661 200

El Baño. Una retrospectiva histórica
Horario de atención al público:
De lunes a sábado de 10:00 h a 14:00 h y de 17:00 h a 20:00 h.
Domingo de 10:00 h a 14:00 h.
Entrada libre

Pasear por una playa a primerísima hora de la mañana nos hace sentir mejor, más nuevos. Mientras las olas se obcecan sin esfuerzo y el sol, ya asomado al mostrador del amanecer, hace que entornemos los ojos. El viento nos da en la cara. Todo es magnífico: estamos estrenando el día.

Y a cada trecho, nos agachamos a recoger algo que nos llama la atención. Una concha, una caracola, una piedra... Hace ya mucho tiempo, en una de las playas del sur de Chile, un chico cogió una y, en cuclillas, se detuvo a limpiarla de arena y a observarla asombrado. Inició así una extraña afición que le duró toda su extraña vida y que le convirtió en un extraño coleccionista de estas extrañas formas marinas. Ese chaval era Pablo Neruda.

Y algunas de las más singulares caracolas que recogió de las innumerables playas que bordearon su vida las podemos ver en Amor al mar. Las caracolas de Neruda, la exposición que se presenta en la Sede del Instituto Cervantes de Madrid y que muestra por primera vez gran parte de la inmensa colección de caracolas del poeta chileno.

Son casi cuatrocientas piezas de gran valor estético y malacológico las que se exhiben junto a una pequeña selección de libros de su biblioteca privada, que donó junto a las caracolas a la Universidad de Chile, en 1954, al cumplir los cincuenta años. La muestra se completa con material fotográfico y con fragmentos de sus obras, que nos acercan al mundo nerudiano y a su poderosa e inextinguible relación con la naturaleza.

El sol apunta ya hacia lo alto y es hora de volver. Suenan en la pequeña bolsa las que hemos encontrado.

Amor al mar. Las caracolas de Neruda

Sede del Instituto Cervantes

Del 02/12/2009 al 24/01/2010

De lunes a sábado de 11 a 14 h y de 17 a 21 h. Domingos y festivos de 11 a 14 h.

Instituto Cervantes - Sala de Exposiciones
C/ Alcalá, 49. 28014 Madrid

http://www.cervantes.es

http://www.cervantes.es/FichasCultura/Ficha58965_00_1.htm

No debía tener vértigo. Solo con sus cuadernos buscaba los lugares más solitarios o agrestes. Los picos más escarpados, los acantilados. Caspar David Friedrich (1774-1840), a lápiz o a plumilla, durante largos paseos por el campo o durante sus viajes, intentaba captar los paisajes de la naturaleza, que miraba con la misma mirada que hubiera podido tener el mismo día de la Creación.

Friedrich es el autor de El caminante sobre el mar de nubes, que con el tiempo se ha convertido en icono absoluto del Romanticismo. En su paradigma. En el cuadro un viajero permanece parado en lo alto del pico de una montaña, mirando un mar de nubes que se extiende a sus pies. Está de espaldas. Viste de negro. Adelanta una pierna y se apoya en un bastón.

Durante estos días podemos acercarnos a la Fundación Juan March, en Madrid, y ver la exposición Caspar David Friedrich: arte de dibujar, dedicada a su obra sobre papel. Incluye 70 obras a lápiz, gouaches y acuarelas. Son bocetos y estudios realizados al aire libre y durante sus viajes, agrupadas según los motivos más recurrentes en su obra: arquitecturas solitarias, ruinas, árboles inmensos, montañas, lagos, ríos, parajes olvidados...

Una vez dentro, sobre la moqueta de las acogedoras salas de la Juan March,  frente a alguno de los cuadros de Caspar David Friedrich, tal vez nos sintamos como si le diéramos la espalda al mundo, adelantando una pierna y flexionándola, sujetando con la mano un imaginario bastón.

Caspar David Friedrich: arte de dibujar

Fundación Juan March

Castelló, 77. 28006 Madrid. Tel. +34 91 435 42 40

www.march.es

Horario
Lunes a sábado: 11,00 a 20,00 h. Domingos y festivos: 10,00 a 14,00 h.
Visitas guiadas gratuitas
Miércoles: 11,00 a 13,30 h. y viernes: 16,30 a 19,00 h.

Visitas de colegios: en el tel. 91 435 42 40 (ext. 296). Lunes: de 11.00 a 13.30 h.

Casa de campo en el bosque, 1797

El tiempo en el que vivimos podría pasar, sin duda, por ser el más ruidoso de toda la historia de la humanidad. Sobre todo si vives en Madrid. El ruido nunca duerme. Y ya casi hemos terminado por reconocer que el silencio no existe.

La música del siglo XX decidió entonces despeñarse por los barrancos de la disonancia, dejando extraños, y sin embargo subyugantes, jirones de atonalidad.

«La gente lo llama ruido... pero él lo llama música». Así definió el Chicago Daily News el 19 de marzo de 1942 las composiciones de un joven John Cage. Aquel ruido, hecho con palos de madera, cubos de agua, cazuelas de latón, tuberías de hierro y silbatos, pronto dio paso al silencio, perfectamente pautado en la célebre partitura 4'33'' (1952). Cuatro minutos y treinta y tres segundos en silencio. Salvo el ruido incómodo del público.

El MACBA, ahora, presenta la mayor exposición que se dedica a John Cage (1912-1992) desde su muerte. Traza un recorrido cronológico, desde los años treinta hasta finales de los años ochenta, a partir de más de 200 obras, entre partituras originales, pinturas, piezas sonoras, esculturas, películas e instalaciones multimedia.Un viaje sonoro por el siglo de las más grandes explosiones.

Y es que además es imposible hacerlo sin hacer ruido.

Vivir, digo.

Una exposición: La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental.

Del 23 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010.

MACBA. Plaça dels Àngels, 1. 08001 Barcelona. Tel +34 93 412 08 10

Un libro: El ruido eterno. Escuhar al siglo XX a través de su música

Alex Ross. Seix Barral, Barcelona, 2009

Un CD: John Cage: The Complete String Quartets, Vol. 2

The Arditti Quartet. Mode, 1993

Estuches para guardar ungüentos, bálsamos y perfumes, colgantes, amuletos, pequeñas piezas de joyería, platos, jarras, diversos recipientes de mesa y de cocina, fragmentos de un vidrio de ventana...

El Museo Arqueológico Provincial de Badajoz presenta la exposición "La fragilidad en el tiempo. El vidrio en la antigüedad". Una oportunidad única para contemplar reunidas unas piezas que han sobrevivido, casi milagrosamente, el paso del tiempo. Son más de 150 y proceden de los fondos de varios museos catalanes de arqueología. Abarcan desde el siglo VII a.C. hasta el siglo VII d.C.

Todas las piezas, hasta las más humildes, sorprenden por su rara e intemporal belleza. Algunas son puro lujo, otras simples recipientes para la vida cotidiana. Resulta también insólito su buen estado de conservación. Indemnes o cuidadosamente reconstruidas. Pueden haberse roto con el paso de los siglos, pero han demostrado que no son tan frágiles como parecían. Aquí las tenemos.

La fragilidad en el tiempo. El vidrio en la antigüedad

Museo Arqueológico Provincial de Badajoz

Plaza José Álvarez y Sáez de Buruaga s/n. 06071 Badajoz. Tel 924 00 19 08.

Hasta el 1 de noviembre. Domingos tarde cerrado.

Mapas del cielo bajo el cielo. Libros, cartularios, códices y esferas se muestran al público en la sala que cobija la bóveda de la antigua Biblioteca de la Universidad de Salamanca: un cielo pintado a finales del siglo XVI, lleno de iconos, dioses paganos, constelaciones y signos zodiacales.

La Universidad de Salamanca, sumándose de esta manera a las celebraciones del Año Internacional de la Astronomía exhibe hasta el 14 de septiembre una selección de sus tesoros bibliográficos relacionados con la astronomía. Algunos de ellos se muestran por primera vez.

La exposición se inicia intentando resumir la historia de la astronomía en Europa. El visitante se encontrará con obras de Ptolomeo, Copérnico, Tycho, Brahe, Galileo, Kepler o Newton, entre otros. También hallará títulos tan relevantes para el comienzo de esta ciencia en Castilla como Los libros del saber de Astronomía del rey Alfonso X o el magnífico manuscrito que el cosmógrafo de la Casa de la Contratación de Sevilla dedicó a Felipe II. En este apartado destaca también la lujosa edición, costeada por Carlos V, de la obra de Apiano o el primer volumen de la Geografía Blaviana.

A continuación el visitante descubre una selección de obras que pertenecen a científicos relacionados con la ciudad. Entre los volúmenes destacados se encuentra la obra de Zacut Almanach Perpetuum, escrita en hebreo y traducida al castellano y al latín. Además, se exhiben dos obras relacionadas con Diego de Torres Villarroel, que antes de ser nombrado catedrático de Matemáticas en el segundo decenio del siglo XVIII, fue ermitaño, bailarín, alquimista, soldado, torero, curandero, astrólogo y adivino; luego se doctoró en medicina, y también en Artes, para terminar ordenándose como presbítero. Pero a lo que íbamos, a Torres Villarroel se debe la adquisición para la Biblioteca general de algunas de las esferas terrestres y celestes o "libros redondos y gordos", como también eran conocidas, que aquí se hallan.

Hoy las podemos contemplar en Salamanca. Y observar esos pequeños cielos debajo de un cielo que está debajo de otro cielo.

Miradas al cielo
La Astronomía en la Biblioteca de la Universidad de Salamanca
Sala de Exposiciones del Cielo de Salamanca en el Patio Escuelas.
Hasta el 13 de septiembre. De 12:00 a 14:00 h. y de 18:00 a 20:00 h. de martes a sábado. De 10:00 a 14:00 h. los domingos y festivos.
Foto: Turismo de Salamanca.

Monstruos del mar, calamares gigantes, pulpos de dimensiones aterradoras, extrañísimos peces abisales, desasosegantes leviatanes y otros mamíferos marinos llevan siglos provocando a un tiempo inquietud y fascinación entre los pueblos de la abrupta costa norteña. Originando historias de marinos que se enredan con la leyenda y con el mito.

En Gijón se ha inaugurado la exposición "Puerto de Gijón: Monstruos Marinos. De la leyenda a la realidad", en la Sala de Exposiciones Antigua Rula, situada en la zona del Puerto Deportivo. La muestra realiza un recorrido por algunas de las especies más singulares que han conocido las costas asturianas.

Los visitantes podrán observar de cerca estos inquietantes animales que durante años se han convertido en leyendas en boca de pescadores. Y que habitan ese mundo ignoto donde el mito y la realidad se confunden. 

El recorrido por la exposición nos permite conocer un mundo recóndito, aún por descubrir del todo, fascinante y en ocasiones rarísimo y sorprendente. La descripción de capturas excepcionales, la morfología espectacular de ejemplares fantásticos, las historias legendarias sobre sirenas y monstruos marinos nos acompañan a cada paso de la visita.

Biólogos y científicos marinos nos aclaran en esta retrospectiva una biodiversidad que despierta nuestra curiosidad por su tamaño, por su coloración o por sus formas extrañas, en ocasiones casi imposibles, ayudándonos a diferenciar, con científico criterio, entre la leyenda y la realidad.

Aunque no sé si lo conseguirán del todo.

Puerto de Gijón. "Monstruos Marinos: de la leyenda a la realidad"
Del 22 de mayo al 25 de octubre de 2009

Autoridad Portuaria de Gijón

Claudio Alvargonzález 32. Gijón, Asturias.

Tel: +34 985 179 600.

www.puertogijon.es

Foto: Autoridad Portuaria de Gijón

Andrei Tarkovski es uno de los cineastas más personales y decisivos del siglo XX. Sólo dirigió siete películas: La infancia de Ivan, Andrei Rubliev, Solaris, El espejo, Stalker, Nostalgia y Sacrificio. Aunque en este caso, la utilización del adverbio "sólo", debe entenderse cargada de ironía y admiración ilimitada.

En estos días, en la Fundación Luis Seoane de A Coruña, se muestran por primera vez en España 80 fotografías polaroid hechas por el cineasta ruso. Será también la última vez que puedan verse antes de su destino definitivo en un museo de Moscú.

El eje central de la exposición gira en torno a los alrededores de su dacha rusa y a diversas localizaciones italianas entre 1979 y 1984, época en la que se encontraba inmerso en la realización de su primera película rodada en el extranjero, Nostalgia. Ensaya así encuadres, motivos y tonalidades para su penúltimo film.

Pero lo que convierte a estas fotografías en documentos excepcionales es su dimensión autobiográfica. En estos apuntes parece dilatarse indefinidamente el tiempo entre la bruma. En estos apuntes descubrimos su preocupación por desentrañar el misterio de toda imagen. Y el por qué de su inagotable melancolía.

Luz instantánea. Fotografías, itinerarios y saudades de Andrei Tarkovski.

Fundación Luis Seoane. A Coruña. San Francisco s/n. Tel. +34 981 21 60 15.

www.luisseoanefund.org

Hasta el 31 mayo.

La Casa Encendida, el centro social y cultural de la Obra Social de Caja Madrid, acoge la primera retrospectiva en España sobre la obra gráfica del artista francés Antonin Artaud.

Publicó Artaud sus primeros versos bajo el título Trictac del ciel en 1924. Amigo de André Breton,  llegó a asumir el cargo de Director de la Oficina de Investigaciones Surrealistas. Sus textos teóricos revolucionaron la escena del siglo XX. Abanderado del Teatro de la Crueldad fue no sólo un teórico de una nueva forma de entender el teatro. Fue actor y escribió guiones para el cine. Y fue también una suerte de viajero experimental que, en 1936 marcha a México en busca de culturas autóctonas. Llegó a convivir con los indios tarahumara, con los que tomó peyote. Experiencias que describió en su libro Un viaje al país de los tarahumara. Su relación con las drogas durante toda su vida fue intensa y dolorosa.

Pasa nueve años en manicomios en los que fue sometido a más de cincuenta electroshocks. Acabaron por hundirle físicamente. Sus amigos logran sacarlo de tan infernal rueda y consigue volver a escribir y dibujar. Pero su salud está seriamente deteriorada. No puede abandonar las drogas, ronda incansable la paranoia, la incomprensión y la censura no le dan un respiro y la ansiada tranquilidad no llega. En 1948 se le detecta un cáncer y ese mismo año muere de sobredosis.

Los dibujos y los cuadernos de Artaud aparecen llenos de intensidad y resultan desgarradores. Una polifacética energía creadora le impulsó toda su vida. Utilizó lo que tenía a su alcance como si fueran caminos posibles hacia un arte absoluto. Descubrió otra manera de hacer poesía.

"Artaud"

Hasta el 7 de junio. Entrada libre.

La Casa Encendida

Ronda Valencia, 2 . 28012 Madrid. Tel. +34 902 43 03 22

www.casaencendida.com

-Man Ray . Antonin Artaud, 1926

Impresión de gelatina de plata pegada sobre papel, copia de época, 18 x 13 cm 

Centre Georges Pompidou, Musée National d'Art Moderne - Centre de Création Industrielle, París

-Cahier n.º 253 (1947) Autorretrato, 24 de junio de 1947

Están aquí al lado. En la tienda de la esquina. Cada vez son más. Y (prácticamente) todo lo hacen ellos. Y sin embargo siguen siendo un pueblo misterioso, lejano, hermético. Casa Asia, en Barcelona, intenta establecer puentes, acortar distancias, promover proyectos, contribuir a un mejor conocimiento entre España y los países de Asia y el Pacífico. Y sobre todo con China.

La exposición "China, retrato de un país (1949-2008)" es una muestra perfecta. Reúne fotografías que documentan la historia del gigante asiático desde 1949 hasta el presente. Se recupera así la historia de un pueblo a través de imágenes que se han convertido, por su fuerza icónica, en auténticos símbolos de aquel país y de su gente.

Son imágenes de archivo que reflejan el gran momento histórico o engrandecen al gran líder carismático, pero también recogen la pequeña intrahistoria con que se construye la vida cotidiana. Su valor testimonial es irremplazable: se trata de observar un retrato de China hecho por los propios chinos, sin interferencias, sin la visión inevitablemente manipulada de Occidente.

Además, la importancia de estas imágenes, aparentemente lejanas en el tiempo y en el espacio, no puede disiparse a la ligera catalogándolas de buenas a primeras dentro de lo exótico o lo raro. El futuro ya está aquí. Y tiene los ojos rasgados.

"China, retrato de un país (1949-2008)"

Casa Asia. Sala de exposiciones.

Av. Diagonal, 373. Barcelona.

Tel. +34 932 38 73 37.

Hasta el 17 de mayo de 2009.
De martes a sábado de 10 a 20 h; domingos de 10 a 14 h; lunes cerrado.

Entrada libre.

www.casaasia.es

"Yo, fray Ramón, pobre ermitaño de la Orden de San Jerónimo, por mandado

del ilustre señor Almirante y virrey y gobernador de las Islas y de la Tierra Firme

de las Indias, escribo lo que he podido saber y entender de las creencias e

idolatrías de los indios, y de cómo veneran a sus dioses. De lo cual ahora

trataré en la presente relación...."

Allá por 1497, Fray Ramón Pané, monje jerónimo, comenzaba de esta manera su Relación acerca de las Antigüedades de los indios, convirtiéndose en el primer etnógrafo, antropólogo y alfabetizador del Nuevo Mundo. De la mano del fraile, esta exposición nos descubre el universo taíno. Originarios del Orinoco, los taínos vivían en la región del Caribe, en las cuatro islas más grandes conocidas como las Antillas Mayores: Cuba, La Española, Jamaica y Puerto Rico.

La dimensión mágico-religiosa de la civilización taína aparece fuertemente marcada por la influencia de las potencias sagradas y de los espíritus, los cemíes. Su ritual más importante era la cohoba. En ella se inhalaban alucinógenos para atraer a los cemíes, y así preservar la paz social y la armonía con el entorno. En la exposición se muestran los objetos utilizados en esta ceremonia: manos de mortero, hachas de piedra, vasijas de cerámica, dúhos y personajes con el rostro surcado por las lágrimas producidas por la inhalación durante la cohoba.

La muestra reúne algunas de las piezas más relevantes del arte taíno, procedentes de la colección del British Museum de Londres acompañadas de piezas del Museo Barbier-Mueller de Barcelona, donde se expuso la muestra por primera vez, y piezas propias de la colección del Museo de América.

Es una de esas exposiciones tranquilas, casi secretas, que merecen una visita improvisada y reconfortan al curioso. Sin campañas de márketing ni grandes alharacas mediáticas, sin colas ni aglomeraciones. Y con una colección de piezas que parecen mirarnos, capaces de ejercer una extraña y perturbadora fascinación sobre el que las observa.

El Caribe Precolombino. Fray Ramón Pané y el universo taíno.

Hasta el 28 de junio

Museo de América

Avenida de los Reyes Católicos, 6. 28040 Madrid.

Tel. +34 915 49 26 41 / +34 915 43 94 37.

Aún hay tiempo. Hasta el 18 de marzo podemos acercarnos a Figueres, adentrarnos con pasmo en el Teatro-Museo Dalí y pararnos de bruces ante el óleo más conocido de Salvador Dalí: "La persistencia de la memoria". Gracias al préstamo temporal del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York están estos relojes por primera vez en nuestro país.

Salvador Dalí pinta los famosos "relojes blandos", como se conoce popularmente a este óleo, en 1931. Ese mismo año sale de España el cuadro sin haber sido expuesto públicamente. Y no regresa a su país de origen hasta hoy.

El cuadro es de pequeñas dimensiones. Pero como mínima excusa, resulta magnífica para realizar una visita, que se puede expandir por todo el universo daliniano, por Figueres, por Púbol, por Port Lligat, por el Cap de Creus....

Con el transcurso de los años, "La persistencia de la memoria" se ha convertido en un icono del imaginario del siglo XX. Todos los relojes marcan una hora distinta, y el único que mantiene su rigidez está boca abajo e infestado de hormigas. A partir de ahí nos podemos dedicar a perpretar interpretaciones. El tiempo, la relatividad del tiempo, la angustia por no poder controlar el tiempo, la fugacidad del tiempo, de los instantes y de las cosas, por qué está boca abajo el reloj que está boca abajo, y las hormigas, ¿qué significan las hormigas?, ¿y esa pestaña?, ¿qué significa ésa pestaña?, ¿tal vez el sueño?... ¿Tienen estos relojes algo que ver con la teoría de la relatividad?. ¿No será ésta acaso la playa de Einstein on the beach?. Incluso hay expertos que sostienen que "la textura blanda de los relojes expresa impotencia". 

No me extraña que se hayan reblandecido los relojes.

El Teatro-Museo Dalí

Plaza Gala-Salvador Dalí, 5

17600 Figueres

Tel. +34 972 677 500

www.salvador-dali.org

©Salvador Dalí, Fundació Gala- Salvador Dalí, VEGAP, Figueres, 2009

La batidora japonesa no ha dejado de producir sorprendentes salsas de colores chillones. Como base utilizan, siempre, el arte tradicional japonés. Pero convenientemente aliñado con las corrientes niponas contemporáneas, como el anime (animación) o el manga (cómic). A lo que añaden, sin empacho, unos buenos churretones de Pop americano o Surrealismo europeo. La salsa, entonces, sorprende, nos divierte, nos infantiliza por un instante. Y la podemos encontrar en cualquier supermercado.

©MURAKAMI es la retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha al japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962). Escultura, pintura, moda, animación y objetos de merchandising se alternan a lo largo de los 2.000 metros cuadrados de la tercera planta del Museo Guggenheim, como si jugaran con sus salas, pasillos y recovecos.

Todo en Murakami es "superflat", término con el que denomina globalmente su estilo, caracterizado por la bidimensionalidad, la ruptura de las tradicionales casillas artísticas y la crítica de la propia estructura del arte, ignorando los límites entre la alta y baja cultura. Porque, según él, el arte es parte de la economía. Y si el artista es conocido, no lo es por su arte, lo es por forjar un modelo empresarial global basado en la utilización de estrategias de mercado. Porque ahora no se tratar de romper nada, sino de utilizarlo todo.

A Puppy le está gustando mucho la exposición.

© MURAKAMI
Fecha: del 17 de febrero al 31 de mayo de 2009
Horario: de martes a domingo, entre las 10:00 y las 20:00 horas.
Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48001 Bilbao
Tel. +34 944 35 90 00
www.guggenheim-bilbao.es

Tan Tan Bo vomitando-alias Gero Tan (Tan Tan Bo Puking-a.k.a. Gero Tan), 2002
Cortesía de la Galerie Emmanuel Perrotin, París
©2002 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.
Todos los derechos reservados

"Asombrada sombra", "Sombra y luz", "Don Segundo Sombra", "La sombra del viento", "La sombra del ciprés es alargada", "Una temporadita a la sombra", "La sombra de la sospecha", "Sin sombra de pecado", "La sombra de una duda",  "Sombra aquí, sombra allá", "La increíble historia del hombre sin sombra", "Los hermanos Malasombra", "A la sombra de las muchachas en flor", "Maldita sea mi sombra", "Haciendo sombra", "Boxeo de sombra", "Cuarenta grados a la sombra", "Huyendo de tu propia sombra", "Luces y sombras", "Sombra de ojos", "El poder en la sombra", "Ponme un solysombra", "La línea de sombra", "Una sombra se mueve", "Sombras nada más", "Errante en la sombra", "Apenas una sombra"...

Éstos eran algunos de los títulos que he estado barajando para titular esta entrada, aunque al final me he decidido por uno más sencillo y neutro, pero no por ello menos inquietante, y que es el que finalmente va arriba. Y que es el mismo que lleva la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan, desde el 10 de febrero al 17 de mayo, en ambas sedes. Y está dedicada, claro, a la representación de la sombra proyectada en el arte occidental.

La muestra reúne un total de 144 obras de más de un centenar de artistas, en un completo recorrido que nos lleva desde el Renacimiento hasta el siglo XX. El fascinante periplo se inicia con la creación de las perspectivas en el Renacimiento, pasando por el constante empleo de las sombras de los pintores tenebristas del Barroco o su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica, hasta llegar a la fúlgida representación de la luz y sus sombras en el Impresionismo, el papel central que adquieren durante el Expresionismo alemán, los juegos y paradojas del Surrealismo o su infatigable uso por parte de los más grandes fotógrafos y cineastas de nuestro siglo XX.

Es una experiencia acercarse a una de estas obras e interponerse en el foco o punto de luz y observar como nuestra propia sombra pasa a formar parte del cuadro.

Fechas:  Del 10 de Febrero al 17 de Mayo 2009.

Museo Thyssen-Bornemisza.
Paseo del Prado, 8. 28014 Madrid.

Teléfono: +34 9136 9 01 51.
Cierra los lunes.
www.museothyssen.org

Fundación Caja Madrid.
Plaza de San Martín, 1, 28013 Madrid.

Teléfono: +34 902 246 810.

Hasta el 19 de abril, 62 pinturas del pintor Francis Bacon podrán ser visitadas en la exposición antológica que acoge el Museo del Prado. El más personal estandarte de la pintura figurativa de la segunda mitad del siglo XX se encara, en un inusual y fascinante diálogo, con toda la historia de la pintura.

Bacon vistaba Madrid con relativa frecuencia, y la mayoría de las veces su único motivo era ir al Museo del Prado. Incluso a veces en privado, cuando estaba cerrado. Ahora sus cuadros parecen sentir la cercanía de los grandes maestros.

Según el propio artista, no hacía otra cosa que intentar "pintar como Velázquez, pero con la textura de la piel de un hipopótamo". Sus tristes y solitarias figuras son una constante reflexión sobre la fragilidad del ser. Y la mente corre el riesgo de bloquearse al verlas, saturada por la violencia que exprime Bacon de la desolación de la condición humana.

Hay voces y opiniones contrarias a su presencia en el Museo del Prado. O por lo menos apuntan que hay en Madrid otros espacios más "idóneos" para un pintor como él. Vamos, que les parece que un elefante ha entrado en una cacharrería. Cuando quien ha entrado a dialogar con los clásicos es otro clásico. Un clásico de "nuestro" siglo XX.

Cualquier noche de éstas, cuando todo esté en calma, probablemente se dé una vuelta, algo más tranquilo, algo menos airado, por las salas en donde aún aúllan sus cuadros.

Museo Nacional del Prado

Ruiz de Alarcón, 23

Tel. +34 91 330 2800

Hasta el 19 de abril

Accesos a la exposición: Puerta de los Jerónimos o Puerta de Velázquez (Acceso directo con venta anticipada)

Ubicación de la exposición: Edificio Jerónimos

www.museodelprado.es